Odilon Redon, né le 20 avril 1840 à Bordeaux, et mort le 6 juillet 1916 à Paris est un peintre et graveur symboliste de la fin du XIXe siècle. Son art explore les aspects de la pensée, l'aspect sombre et ésotérique de l'âme humaine, empreinte des mécanismes du rêve. Odilon Redon fut un passionné de musique et en particulier de Mozart, Beethoven et Schumann.
Condamné par les Nazis comme étant un artiste « dégénéré », Franz Marc (1880-1916) est un peintre allemand dont l'utilisation des lignes sèches et de la couleur exprime de manière éloquente la douleur et le traumatisme de la guerre. Dans des toiles telles que La Mort des animaux, Marc a créé l'émotion brute d'une violence primitive, qu'il a qualifiée de prémonition de la guerre, guerre qui allait être la cause de sa mort à l'âge de trente-six ans.
À partir de la création de son premier atelier à l'âge de seize ans, sir Anthony van Dyck (1599-1641) devint célèbre dans le monde de l'art. Rubens, son professeur lorsqu'il était enfant, disait de lui qu'il était son élève le plus talentueux. Il confirma cette remarque par une carrière d'artiste de cour en Angleterre et en Espagne. De nos jours, il est reconnu comme peintre de portraits, capturant l'élégance et la beauté opulente de la vie des cours européennes au XVIIe siècle. Dans cette présentation fascinante de la longue carrière de Van Dyck, Natalia Gritsai met en relief le meilleur des chefs-d'oeuvre de l'artiste.
Connu pour la subtilité de ses toiles pointillistes, Georges Seurat (1859-1891) était un peintre unifiant l'art et la science, qui obtenait des résultats exceptionnels. Il pouvait prendre des années pour terminer ses peintures qui impressionnaient alors le spectateur par leur complexité scientifique et leur impact visuel. Klaus H. Carl offre aux lecteurs un aperçu fascinant de la technique scientifique se cachant derrière les chefs-d'oeuvre pointillistes de Seurat.
Universally celebrated for the intricacy of his pointillist canvases, Georges Seurat (1859-1891) was a painter whose stunning union of art and science produced uniquely compelling results. Seurat's intricate paintings could take years to complete, with the magnificent results impressing the viewer with both their scientific complexity and visual impact. His Un Dimanche Après-Midi à l'Île de la Grande Jatte (Sunday Afternoon on the Island of Grand Jatte) has held its place among the most treasured and distinguished pieces of 20th-century art. Klaus H. Carl offers readers an intriguing glimpse into the detailed scientific technique behind Seurat's pointillist masterpieces.
Lang vor der Erfindung von neuen, mit exotischen Monstern gespickten Medien wie Comics und Computerspielen zeigte der niederländische Maler Hieronymus Bosch in seinen Gemälden, oft mit einer Prise Humor verbunden, eine große Anzahl von schrecklichen, wahrlich Furcht einflßenden Fantasiewesen, wie sie ausgefallener nicht hätten sein knnen. Aus seiner Malerei resultiert eine lange Diskussion über den Wahnsinn der vom rechten Weg abgekommenen Menschen, die die Weisungen Christi ignoriert hatten. Hieronymus Bosch (ca. 1450-1516) lebte in einer Welt, die sich durch den immer grßeren Einfluss der Renaissance und der Religionskämpfe grundlegend verändert hat. In bildhafter Form werden das Paradies und die Hlle dargestellt, zwischen denen oft nur ein kleiner Abstand liegt, und es liegt am Menschen, ihn zu überwinden oder sich zu verweigern. Diese Entscheidung war es, die Bosch mit seinen fantastischen Metaphern illustrieren und versinnbildlichen wollte. Virginia Pitts Rembert interpretiert das Werk des Malers und zeigt uns das uvre des Hieronymus Bosch aus einer neuen Perspektive und dechiffriert in Kleinstarbeit die geheime Symbolik des niederländischen Künstlers.
Besides its practical uses in regions across the globe, the fan has a long history as a fashion item, with new shapes, materials, and colours constantly being created. This book portrays the most artistic examples from the 18th to the 20th centuries. The imaginative shapes and expensive materials of fans are usually decorated with peculiar images of social events, icons, and music notes. Through its practical format, this book is an ideal gift for any lover of fashion and cultural objects.
The art of the Ukiyo-e reflected the artistic expression of an isolated civilisation which, when it became accessible to the West, significantly influenced a number of European artists. The three masters of Ukiyo-e, Hokusai, Utamaro and Hiroshige, are united here for the first time to create a true reference on Japanese art. The three masters rank highly among the most famous Japanese artistic productions of all time. This new title of the Prestige of Art collection will be a reference for art students and Japanese art lovers.
Goya is perhaps the most approachable of painters. His art, like his life, is an open book. He concealed nothing from his contemporaries, and offered his art to them with the same frankness. The entrance to his world is not barricaded with technical difficulties. He proved that if a man has the capacity to live and multiply his experiences, to fight and work, he can produce great art without classical decorum and traditional respectability. He was born in 1746, in Fuendetodos, a small mountain village of a hundred inhabitants. As a child he worked in the fields with his two brothers and his sister until his talent for drawing put an end to his misery. At fourteen, supported by a wealthy patron, he went to Saragossa to study with a court painter and later, when he was nineteen, on to Madrid. Up to his thirty-seventh year, if we leave out of account the tapestry cartoons of unheralded decorative quality and five small pictures, Goya painted nothing of any significance, but once in control of his refractory powers, he produced masterpieces with the speed of Rubens. His court appointment was followed by a decade of incessant activity - years of painting and scandal, with intervals of bad health. Goya's etchings demonstrate a draughtsmanship of the first rank. In paint, like Velázquez, he is more or less dependent on the model, but not in the detached fashion of the expert in still-life. If a woman was ugly, he made her a despicable horror; if she was alluring, he dramatised her charm. He preferred to finish his portraits at one sitting and was a tyrant with his models. Like Velázquez, he concentrated on faces, but he drew his heads cunningly, and constructed them out of tones of transparent greys. Monstrous forms inhabit his black-and-white world: these are his most profoundly deliberated productions. His fantastic figures, as he called them, fill us with a sense of ignoble joy, aggravate our devilish instincts and delight us with the uncharitable ecstasies of destruction. His genius attained its highest point in his etchings on the horrors of war. When placed beside the work of Goya, other pictures of war pale into sentimental studies of cruelty. He avoided the scattered action of the battlefield, and confined himself to isolated scenes of butchery. Nowhere else did he display such mastery of form and movement, such dramatic gestures and appalling effects of light and darkness. In all directions Goya renewed and innovated.
Ernst Ludwig Kirchner (Aschaffenburg, 1880 - Frauenkirch, 1938)
«Leader » autoproclamé du groupe d'artistes die Brücke (Pont), fondé à Dresde en 1905, Ernst Ludwig Kirchner, joua un rôle central dans les premiers développements de l'expressionnisme allemand (fig.186). Ses premières oeuvres révèlent l'influence de l'Impressionnisme, du postimpressionnisme et du Jugendstil, mais dès 1909, Kirchner peignait d'une manière distinctive et expressive grâce à un coup de pinceau audacieux, mais détendu, des couleurs vives et non naturalistes, et des gestes intenses. Il travaillait dans son atelier à partir d'esquisses réalisées très rapidement, souvent à partir de figures mouvantes, de scènes inspirées de la vie en ville ou des excursions du Brücke à la campagne.
Un peu plus tard, il commença à réaliser des sculptures grossièrement taillées dans des blocs de bois. A peu près au moment où il s'installa à Berlin, en 1912, le style de Kirchner, aussi bien de sa peinture que de son oeuvre graphique prolifique, devint plus anguleux, caractérisé par des lignes déchiquetées, des formes élancées et atténuées, et, souvent, un plus grand sentiment de nervosité. Ces traits se retrouvent dans leur expression la plus forte dans ses scènes de rue berlinoises (évoquées dans le chapitre «La Métropole et la Modernité »). Avec le déclenchement de la Première Guerre mondiale, Kirchner devint physiquement faible et enclin à l'anxiété. Conscrit, il fut profondément traumatisé par sa brève expérience de l'entraînement militaire pendant le conflit. De 1917 jusqu'à sa mort par suicide en 1938, il vécut une existence de reclus, bien qu'artistiquement productive, dans la tranquillité des Alpes suisses, près de Davos.
Mary was born in Pittsburgh. Her father was a banker of liberal educational ideas and the entire family appears to have been sympathetic to French culture. Mary was no more than five or six years old when she first saw Paris, and she was still in her teens when she decided to become a painter. She went to Italy, on to Antwerp, then to Rome, andfinally returned to Paris where in 1874, she permanently settled.
In 1872, Cassatt sent her first work to the Salon, others followed in the succeeding years until 1875, when a portrait of her sister was rejected. She divined that the jury had not been satisfied with the background, so she re-painted it several times until, in the next Salon, the same portrait was accepted. At this moment Degas asked her to exhibit with him and his friends, the Impressionist Group, then rising into view, and she accepted with joy. She admired Manet, Courbet and Degas, and hated conventional art.
Cassatt's biographer stressed the intellectuality and sentiment apparent in her work, as well as the emotion and distinction with which she has painted her favourite models: babies and their mothers. He then speaks of her predominant interest in draughtsmanship and her gift for linear pattern, a gift greatly strengthened by her study of Japanese art and her emulation of its style in the colour prints she made. While her style may partake of the style of others, her draughtsmanship, her composition, her light, and her colour are, indeed, her own. There are qualities of tenderness in her work which could have been put there, perhaps, only by a woman. The qualities which make her work of lasting value are those put there by an outstanding painter.
Edvard Munch (Løten, 1863 - Ekely, 1944). Munch peut être considéré comme le pionnier de l'expressionnisme dans la peinture moderne. Il a bénéficié tôt de la réputation d'un artiste d'une nouvelle époque marquante en Allemagne et en Europe centrale, et aujourd'hui son oeuvre et son statut sont depuis longtemps reconnus dans toute l'Europe et le monde. Les oeuvres de Munch les plus connues sont celles des années 1890, notamment Le Cri. La fréquentation dans la deuxième moitié des années 1880 de Jæger (auteur norvégien) et de son cercle d'anarchistes radicaux marque un tournant décisif dans la vie de Munch et est la source d'une mutation et d'un conflit interne. A l'automne 1889 Munch a droit à une grande exposition de ses oeuvres à Christiana, où l'État lui accorde une bourse d'artiste pour 3 ans. Paris, où il devient pour un moment l'élève de Léon Bonnat, est une destination logique. Mais l'impulsion la plus importante, il la ressent en s'orientant dans la vie artistique de la ville. C'est à cette époque que perce un mouvement post-impressionniste avec plusieurs expériences anti- aturalistes. Dans ses tableaux dominent les grandes lignes courbes et les zones de couleurs homogènes, une implification et une stylisation utilisée par Paul Gauguin et les synthétistes français. «Symbolisme - la nature a été formée dans une ambiance morale » écrit Munch. A l'automne 1892 Munch présente les fruits de son séjour français. A la suite de cette exposition il est invité par le «club d'art de Berlin » (Berlines Kunstverein), où ces mêmes oeuvres doivent être exposées. Mais cela finit par un cauchemardesque «succès de scandale ». Le public et les vieux peintres comprennent Munch comme une provocation anarchiste, et l'exposition est fermée à cause de la protestation.
Claude Gellée (Le Lorrain) (Chamagne, 1604 - Rome, 1682)
Claude Gellée, surnommé Le Lorrain, ne fut ni un grand homme, ni un esprit noble comme Poussin. Toutefois, on ne peut nier son génie et il fut, à l'instar de Poussin, un inventeur profondément original dans les limites imposées par l'idéal classique. Il passa aussi presque toute sa vie à Rome bien que son art ne fût pas spécifiquement italien, mais bien français. En effet, plus de deux siècles plus tard, tous ceux qui, en France, ressentirent le désir de décrire les beautés de la nature, s'inspirèrent du Lorrain et de ses oeuvres, qu'il s'agisse de Joseph Vernet au XVIIIe siècle ou de Corot au XIXe. En dehors de France, ce fut la même chose : d'ailleurs, Le Lorrain ne fut nulle part plus admiré qu'en Angleterre.
Il reste une part de mystère dans la vocation de cet humble paysan presque illettré. En effet, ses connaissances en français et en italien étaient rudimentaires, et il utilisait, pour faire ses annotations au bas de ses dessins, un étrange sabir franco-italien. Ce mystère est en quelque sorte emblématique de la devise «le mystère dans la lumière », qui allait marquer ses tableaux. Qu'est-ce qui l'attira à Rome et l'y retint ? N'aurait-il pas pu produire ses chefs-d'oeuvre à Nancy, Paris ou ailleurs ? Quoiqu'il en soit, c'est dans ses paysages qu'il réunit beauté, poésie et authenticité. Il réalisa parfois des dessins d'après nature tellement exceptionnels que plusieurs d'entre eux ont été attribués à Poussin. Mais c'est dans ses peintures que l'imagination prédomine, et l'on peut même dire qu'elle s'imposa de plus en plus, tandis que Le Lorrain prenait toute la mesure de son génie. Sans recourir à la raison, sans rien perdre de sa poésie instinctive, il comprit en écoutant Poussin et en le regardant faire, qu'une forme d'académisme aurait pu être un atout pour ses propres visions et rêveries.
Der zu seinen Lebzeiten als kontrovers geltende italienische Maler Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610) hat seinen heutigen Weltruhm als hervorragender Künstler des Barock einer Wiederentdeckung im frühen 20. Jahrhundert zu verdanken. Seitdem sind die Bilder des streitbaren Verfechters der realistischen Malweise geschätzt wie nie zuvor. Zu recht, denn es war Caravaggio, der religiser Kunst eine neue Menschlichkeit einhauchte, mit seinen realitätsgetreuen und gleichzeitig sinnlichen Bildnissen von Menschen, Heiligen und Gttern. Für Caravaggio galt allein die Schnheit des Naturgetreuen, dass er geschickt mit der von ihm neu restaurierten chiaroscuro-Technik in Szene zu setzen wusste. Dieses Streben brachte ihn auf Kollisionskurs mit den Künstlern und dem Klerus seiner Zeit, die ihm Pietätlosigkeit und einen verruchten Lebensstil vorwarfen.
Dieses Buch vereint die Erkenntnisse zweier Caravaggio-Experten, Félix Witting und M. L. Patrizi, und berichtet vom turbulenten Leben und Schaffen dieses genialen Malers.
Georgia O'Keeffe (Sun Prarie, Wisconsin, 1887 - Santa Fe, 1986)
En 1905, Georgia O'Keeffe suivit des cours à l' Art Institute de Chicago et débuta sérieusement sa carrière artistique. Elle s'installa ensuite à New York et s'inscrivit à l'Art Students League School.
Georgia adorait les cours de nature morte dispensés par le fringant William Merritt Chase, un des professeurs qui l'influencèrent durant cette période. Elle fréquenta la galerie 291 et y rencontra son futur mari, le photographe, Alfred Stieglitz. Durant l'été 1912, elle suivit des cours à l'université de Virginie auprès d'Alon Bement qui recourait à une méthode révolutionnaire pour enseigner l'art, imaginée par Arthur Wesley Dow. Les élèves ne copiaient pas mécaniquement la nature, mais se voyaient enseigner les principes du dessin basé sur les formes géométriques. Ils s'exerçaient à diviser un carré, dessiner au coeur d'un cercle ou encore placer un rectangle autour d'un dessin, puis organiser la composition en l'agençant par l'ajout ou l'élimination d'éléments. Georgia trouva que cette méthode conférait une structure à l'art et l'aidait à comprendre les bases de l'abstraction. Au début de l'année 1925, Stieglitz exposa les artistes encouragés à l'époque du 291. C'est au cours de cette exposition que les peintures géantes de fleurs de Georgia O'Keeffe, destinées à faire prendre conscience de la nature, furent présentées pour la première fois. Les critiques acclamèrent cette nouvelle manière de voir. Elle détestait cependant les connotations sexuelles que les gens associaient à ses toiles, en particulier à ce moment des années 1920 où les théories freudiennes commençaient à ressembler à ce que nous appellerions aujourd'hui de la «psychologie de bazar ».
L'héritage que Georgia laisse derrière elle est une vision unique qui traduit la complexité de la nature en formes simples. Elle nous enseigne qu'il y a de la poésie dans la nature et de la beauté dans la géométrie.
Impressionism has always been one of the public's favourite styles of art and Impressionist works continue to enchant beholders with their amazing play of colours and forms. This book offers a well-chosen selection of the most impressive works of artists such as Degas, Monet, Pissarro, Renoir and Sisley. Mega Square Impressionism pays tribute to the subject's popularity.
August Macke (1887-1914) was a master of German Expressionism, a movement which sprang up in the early 1900s with the intent to forego physical reality in search of its emotional counterpart, with a particular emphasis on expressing dark moods of tragedy and angst. Macke was a master of color and form, producing eye-catching canvases that evoke a strong sympathetic reaction in the viewer. He was equally at home portraying the sun drenched streets of Tunisia, the cloudy sky around the Bonn cathedral, and the faceless multitude of a crowded railway station. In this compelling text, Walter Cohen examines the brief life of an artist whose seemingly limitless potential was tragically cut short by his untimely death.
If, as the famous saying goes, you really are what you eat, then Giuseppe Arcimboldo (1527-1593) was a consummate painter of the human soul. This artist was a master draftsman whose finely wrought canvases captured the imagination of his generation. In this fascinating book, Liana De Girolami Cheney takes a closer look at the critical history of Arcimboldo's work, from his initial popularity and the tragic obscurity that followed his death, to the ventual triumphant revival of his work and vision by Surrealist admirers of the 1920s.
If, as the famous saying goes, you really are what you eat, then Giuseppe Arcimboldo (1527-1593) was a consummate painter of the human soul. This artist was a master draftsman whose finely wrought canvases captured the imagination of his generation. In this fascinating book, Liana De Girolami Cheney takes a closer look at the critical history of Arcimboldo's work, from his initial popularity and the tragic obscurity that followed his death, to the ventual triumphant revival of his work and vision by Surrealist admirers of the 1920s.
Condemned by the Nazis as a degenerate artist, Franz Marc (1880-1916) was a German painter whose stark linearity and emotive use of color eloquently expressed the pain and trauma of war. In work such as his celebrated Fate of the Animals, Marc created a raw emotional expression of primitive violence which he called a premonition of the war which would eventually be the cause of his own untimely death at the age of 36.
Condemned by the Nazis as a degenerate artist, Franz Marc (1880-1916) was a German painter whose stark linearity and emotive use of color eloquently expressed the pain and trauma of war. In work such as his celebrated Fate of the Animals, Marc created a raw emotional expression of primitive violence which he called a premonition of the war which would eventually be the cause of his own untimely death at the age of 36.
From the time he set up his first studio at the tender age of sixteen, Sir Anthony Van Dyck (1599-1641) was a legend in the art world. Rubens, whom he studied with as a child, said that he was his most talented pupil, and he went on to spectacularly fulfill this promise with a career as a celebrated court painter in England and Spain. Historians, scholars, and art lovers alike continue to recognize the sophistication and timeless beauty of his works. In this fascinating compendium of Van Dyck's decades-long career, Natalia Gritsai highlights the best of the artist's many masterpieces.
Universally celebrated for the intricacy of his pointillist canvases, Georges Seurat (1859-1891) was a painter whose stunning union of art and science produced uniquely compelling results. Seurat's intricate paintings could take years to complete, with the magnificent results impressing the viewer with both their scientific complexity and visual impact. His Un Dimanche Après-Midi à l'Île de la Grande Jatte (Sunday Afternoon on the Island of Grand Jatte) has held its place among the most treasured and distinguished pieces of 20th-century art. Klaus H. Carl offers readers an intriguing glimpse into the detailed scientific technique behind Seurat's pointillist masterpieces.
Gorges Seurat (1859-1891) ist berühmt für seine außerordentliche Technik des Pointillismus. Er war ein Maler, dessen einzigartige Zusammenführung von Kunst und Wissenschaft atemberaubende Kunstwerke hervorbrachte. Wenngleich Seurats komplexe Bildkompositionen Jahre für die Fertigstellung in Anspruch nehmen konnten, sollten die vollendeten Werke den Betrachter in ihrer wissenschaftlichen Genauigkeit und künstlerischen Komplexität beeindrucken. Und so gehrt sein Un Dimanche Après-Midi à l'Île de la Grande Jatte(Sonntagnachmittag auf der Insel La Grande Jatte) zu den bekanntesten Kunstwerke des 20. Jahrhunderts.
